Camélicot

Que vienne la pluie…

Camélicot — Wed, 22 Jul 2026 18:16:17 +0000

J’en appelle à la pluie
J’en appelle aux grand vents
J’en appelle aux nuées
J’en appelle à la clémence du ciel
Pour ses enfants arrogants…

Il faut qu’il pleuve

L’air est brûlant
La terre se dessèche
Les plantes sont assoiffées
Les êtres se meurent
de ne plus être abreuvés…

Il faut qu’il pleuve

J’en appelle aux rivières
À leurs lits oubliés
J’en appelle aux sources :
Qu’elles retrouvent leur chant
Sous la pierre fendue…

Il faut qu’il pleuve

J’en appelle aux consciences
À nos mains, nos regards
J’en appelle à la sagesse
Pour que l’Homme enfin apprenne
À prendre soin de la Terre nourricière…

Notre grande mare, celle qui irrigue l’oseraie, est à sec…

La petite mare, celle qui permet d’arroser le potager, est encore pleine, mais son trop-plein ne coule plus, et ne remplit donc plus les cuves de récupération. Je dois donc pour le moment arrêter d’arroser.

En espérant que les températures baissent un peu.

Et en appelant la pluie…

Et puis, concrètement, parce qu’il est difficile de subit sans agir, je vais continuer à couper les fougères qui poussent en trop grand nombre en bordure de terrain (photo ci-dessus à gauche), pour mulcher le potager…

C’est un principe permaculturel : tenter de transformer le problème d’un point… en solution pour un autre !

Plants de salades à repiquer maintenant !!

Camélicot — Mon, 20 Jul 2026 09:24:24 +0000

Vous pouvez venir chercher des plants de salades à repiquer ! Ils sont tout prêts à s’implanter chez vous !

Toujours à prix libre…

Pensez à prendre des contenants pour emporter vos plants, car les salades sont en mini-mottes…

Des poules et des hommes

Camélicot — Mon, 20 Jul 2026 09:20:37 +0000

Quel est le rapport entre ces images de mon potager :

Et l’activité qui occupe les hommes de la maison, tous ces derniers soirs quand les températures redeviennent vivables : ——->

Eh bien, c’est tout simplement l’appétence de plus en plus grande de nos poules pour le potager…

Jusque là, elles faisaient bien régulièrement des incursions dans cette réserve de vers de terre (bar ouvert !! Bestioles à volonté !!), elles ne faisaient finalement que peu de dégâts, et l’apport de fientes compensait les quelques petits plants qu’elles abimaient.

Sauf qu’avec cette sécheresse, il est biiiiiiiien plus intéressant pour mes poupoules d’aller gratter mes zones potagères, couvertes de verdures qui se décomposent, avec le maintien d’une certaine humidité, et donc la présence garantie de tout un tas de bestioles délicieuses, que d’arpenter le demi-hectare du verger qui leur est réservé, avec ses herbes sèches…

Et là, les dégâts sont énormes. 99 % de ce que j’ai repiqué depuis un mois (choux, salades, betteraves, blettes…) a été retourné, déterré, enterré… donc rien ne prend.

Il est donc trèèèèèès urgent de maintenir les poules HORS du potager.

Comme Monsieur Camélia ne voulait pas d’un grillage qui aurait entouré le potager (trop moche !!), nous tentons de couper le terrain en deux grâce à des piquets et d’un grillage, moins sous nos fenêtres.

Sur ce grillage, nous avons ajouté trois rangs de fil métallique, le but étant d’utiliser cette clôture pour y faire courir des vignes qui seront plantées cet hiver.

Il nous reste à mettre des portails pour finir de clôturer…

La suite au prochain épisode : les poules auront-elles réussi à contourner notre clôture, ou se contenteront-elles d’aller amender le sol de mon verger ?? Suspense insoutenable…

La Petite Ferme du Coquelicot

Camélicot — Sun, 05 Jul 2026 14:47:19 +0000

Délicat Coquelicot s’éveille dans l’aurore,
Comme un souffle de feu posé sur un océan d’or.
Son cœur tremble et frissonne au souffle du matin,
Léger comme un murmure tout près à embraser le monde.

Le moindre vent l’incline, il ne sait pas combattre,
Il danse avec le ciel au lieu de résister.
Pourtant, sous le grand ciel où chantent les moissons,
Il éclaire les champs de sa belle chanson.

Au milieu des grands blés, il suffit de sa flamme
Pour éveiller le cœur et réchauffer le jour…
Sa fragile présence enflamme les regards,
Il offre sa lumière à qui veut bien la voir.

Ainsi chaque âme, humble et légère à la fois,
Peut changer tout un monde en répandant l’amour.
Car il suffit parfois d’un éclat, fragile et délicat,
Une douce poésie,
Un simple cœur ouvert,
Pour semer la Lumière…

Pourquoi ce nom, « La Petite Ferme du Coquelicot » ?

Si vous nous connaissez, vous savez déjà que nous sommes persuadés que rester petits, à taille humaine, permet de pallier différents problèmes écologiques : se passer de mécanisation à outrance, diminuer l’impact écologique, la dépendance aux énergies fossiles…

Et le Coquelicot ? Parce que le Coquelicot, c’est une plante bio-indicatrice des sols en bonne santé, non pollués, vivants. Si un coquelicot pousse dans un champ, c’est que la terre, là, est vivante !

Et puis, le Coquelicot, si fragile et délicat, est en même temps flamboyant : il en suffit d’un seul pour illuminer tout un immense champ de blé !
Alors c’est le symbole des petites actions que chacun de nous peut mettre en place, et de l’impact qu’elles peuvent avoir : sur les écosystèmes, sur notre environnement, mais aussi sur les autres autour de nous…
Nous espérons de tout cœur que, comme le Coquelicot répand ses graines et se multiplie, nous pourrons inspirer d’autres personnes, afin que notre vision du monde fasse tâche d’huile… et que chacun puisse vivre en harmonie !

« Picture Study » : Nadar

Camélicot — Sun, 14 Jun 2026 16:47:42 +0000

Gaspard-Félix Tournachon, dit Nadar, est un caricaturiste, écrivain, aéronaute et photographe français. Véritable touche-à-tout, militant de la modernité, fantasque et bohème, Nadar a pris son époque à bras le corps et mêle hardiment l’art et ses convictions politique, parfois à ses dépens financiers.

Le père de Gaspard-Félix meurt quand l’adolescent n’a que 17 ans, lui laissant le goût du combat et la soif de justice. Devenu très jeune soutien de famille, il se lance dans le journalisme et crée la revue Le Livre d’Or qui n’aura malheureusement que 9 numéros, mais aura réuni les prestigieuses plumes de Balzac, Dumas ou Nerval.
Ses amis le surnomment « Tournadard », car par jeu, il ajoute « dar » à la fin de chaque mot, comme dans le javanais ou le louchebem. Il prend bientôt le pseudonyme de Nadard, avec un d, qu’il supprimera par la suite.
En 1842, sous la Monarchie de Juillet, Nadar est étroitement surveillé par la police. Il publie ses premiers écrits, stimulé par l’amitié de Baudelaire et Théodore de Banville.
En 1846, ses caricatures militantes lui vaudront plus de succès que ses nouvelles. Sa Galerie des gens de lettres, qui deviendra le fameux Panthéon Nadar, comporte 250 personnalités connues, parmi lesquelles Hugo, Vigny, Balzac, Lamartine, Sandeau, Musset, Dumas et Balzac.

Caricature de Balzac

À cette époque, nombreux sont ceux qui s’entichent de photographie : l’écrivain Eugène Chavette s’est acheté l’équipement du parfait photographe mais, déçu par ses résultats, il cherche à le revendre à son ami Nadar qui refuse, n’en voyant pas l’usage. L’ami insiste, Nadar cède et entrepose le matériel chez lui, sans y toucher pendant plusieurs mois. Submergé par ses multiples collaborations journalistiques, il finit par utiliser ce nouvel outil pour réaliser ses portraits charges. Il ouvre l’un de ces ateliers photographiques alors en vogue et qui s’annoncent très lucratifs. Nadar invite le mime Charles Debureau à poser en Pierrot. L’atelier obtiendra la médaille d’or à l’Exposition universelle de 1855 pour cette série qu’il intitule Têtes d’expression.

Charles Debureau en Pierrot phtographe

Nadar fonde la Société de photographie artistique par laquelle il impose la notion d’auteur. Il réalise des portraits inoubliables, d’une force exceptionnelle, d’Alfred de Vigny et Théophile Gautier, du bouleversant Gérard de Nerval, Gustave Doré, Eugène Delacroix… Baudelaire, qui avait du mal à surmonter son dégoût pour ce nouvel art, définit pourtant ainsi les photos de son ami : « Le portrait exact, mais ayant le flou d’un dessin. » On compte 5 clichés du poète pris chez Nadar sur les 12 qui existent. Nadar photographie ses modèles simplement, n’utilisant que la lumière naturelle et zénithale diffusée par les verrières et réfléchie par de grands panneaux mobiles.

Baudelaire, 1860

Les poses à la manière d’Ingres valent surtout pour l’intimité et la complicité qu’il sait créer avec ses sujets. « La photographie est à la portée du premier des imbéciles, elle s’apprend en une heure. Ce qui ne s’apprend pas, c’est le sentiment de la lumière […] et la ressemblance intime », dira-t-il. Dans cette période, où le portrait s’industrialise dans un académisme convenu, Nadar supprime les accessoires et décors conventionnels et refuse la retouche, au profit de « l’expression vraie de cet instant de compréhension qui vous met en contact avec le modèle, qui vous aide à le résumer, vous guide vers ses idées et son caractère ».

Sarah Bernhardt

Passionné par l’aéronautique, Nadar invente la photographie aérienne. Après de nombreux essais qui valurent à madame Nadar de rester paralysée après un atterrissage difficile et des fortunes englouties dans les milliers de mètres cubes d’hydrogène sulfuré nécessaires à chaque ascension, Nadar réalise son premier cliché des environs de Paris en 1858. Il prendra même le temps de poser dans la nacelle, en lavallière et chapeau haut de forme !

Quartier de l’Etoile à Paris

Il fait placer au fronton de son immeuble une immense enseigne, dessinée par Antoine Lumière et éclairée au gaz. Cette année-là, il a l’idée d’utiliser plusieurs sources lumineuses et de répartir la lumière par un jeu d’écrans blancs et de miroirs. Il dépose un brevet pour « la photographie aux lumières artificielles ». En 1861, il éclaire au magnésium les catacombes et les égouts de Paris (Boyau des Catacombes à Paris).

En septembre 1886, Nadar interviewe le célèbre chimiste Chevreul qui a énoncé la loi du contraste simultané des couleurs (le ton de deux plages de couleurs paraît plus différent quand elles sont juxtaposées que quand on les éloigne, sur fond neutre et commun), loi chère aux impressionnistes et pointillistes. D’ailleurs, en avril 1874, la 1^ère exposition des peintres impressionnistes se tient dans son ancien studio.

Nadar fait sensation en donnant naissance au reportage d’actualité, une suite très rapide de clichés pris par son fils Paul.

En juin 1895, Nadar part à Marseille avec sa femme où il inaugure son dernier atelier. Gloire marseillaise, il fait le portrait en 1899, de la belle reine de Madagascar, Ranavalo. L’Exposition universelle de 1900 à Paris parachève son succès par une rétrospective de l’ensemble de son oeuvre. Redevenu auteur, Nadar publie ses mémoires, intitulées Quand j’étais photographe.

Picture Study – Edouard Manet

Camélicot — Thu, 04 Jun 2026 16:03:59 +0000

Edouard Manet est un peintre français, précurseur de la peinture moderne, qui s’affranchit des règles de l’académisme, par une œuvre audacieuse et souvent controversée, qui a su garder une esthétique très personnelle. Il a su capter l’essence de la société moderne à travers des représentations de la vie urbaine, des portraits frappants et des compositions qui remettaient en question les conventions établies.Lorem ipsum dolor sit amet, consectetur adipiscing elit. Ut elit tellus, luctus nec ullamcorper mattis, pulvinar dapibus leo.

Edouard Manet naît dans une famille aisée de la bourgeoisie parisienne. Il montre très jeune un grand intérêt pour le dessin, mais ses parents le destinent à devenir avocat. Cependant, Manet est un esprit libre qui réussit à convaincre ses parents de le laisser poursuivre sa passion. A 16 ans, en 1848, il s’embarque pour un voyage en mer sur un navire-école pour devenir officier de la marine marchande. Cette expérience ne dure qu’un an, mais marque profondément le jeune homme : il s’arrête au Brésil, où il découvre des paysages exotiques et une culture différente qui éveillent en lui une sensibilité nouvelle. Il sera longtemps attaché à l’Espagne et à ses couleurs…

De retour à Paris, il décide de se consacrer pleinement à la peinture, et entre comme apprenti chez un peintre académique réputé. Celui-ci lui offrira pendant 6 ans une formation classique très rigoureuse et des compétences techniques solides. Pourtant, il se rebelle rapidement contre les règles strictes de l’académisme et souhaite peindre des scènes de la vie quotidienne et moderne.

Le Buveur d’absinthe

Manet entre dans une quête personnelle pour trouver sa propre voie artistique, il expérimente énormément. En 1863, il peint l’un de ses tableaux les plus controversés : « Le Déjeuner sur l’herbe ». Cette œuvre représente deux hommes vêtus et une femme nue, assise en plein air, dans une scène inspirée des œuvres classiques, notamment des compositions de la Renaissance italienne. Ce mélange audacieux de figures contemporaines et de références à l’art ancien classique choque le public et la critique… Il est exposé au Salon des Refusés. Certains artistes et intellectuels saluent l’audace et l’originalité de Manet.

Le déjeuner sur l’herbe

Loin de se laisser abattre par la critique, Manet persiste dans sa volonté de peindre la réalité contemporaine de manière directe et sans fioritures. C’est dans cette optique qu’il peint « Olympia » en 1865, une autre œuvre majeure qui bouleverse les conventions de la peinture académique. Inspirée par la tradition des nus classiques, « Olympia » représente une femme nue allongée sur un lit, regardant le spectateur avec une assurance déconcertante. Ce n’est pourtant pas le nu qui choque tant le public, mais la manière dont Manet le traite : le modèle, une courtisane, est dépeint de manière frontale, sans idéalisation ni romantisme. Il annonce les bouleversements à venir dans la représentation du corps féminin.

Olympia

Bien que Manet soit perçu par la critique comme un impressionniste, et qu’il entretient des liens étroits avec les peintres du mouvement, il s’en démarque pourtant par une facture soucieuse du réel, et la non-utilisation des nouvelles techniques de la couleur et du traitement de la lumière. De plus, il préfère peintre en atelier plutôt qu’en plein-air. Pourtant, son goût pour la lumière et la couleur, ainsi que pour les sujets modernes, influence grandement le groupe impressionniste. « La Gare Saint Lazare » est particulièrement représentative de cette période : il y capture à la fois une scène intime et un symbole de la modernité industrielle.

La gare Saint Lazare

Dans les années 1870, malgré les controverses qui entourent son travail, Manet commence à recevoir une reconnaissance de la part de certains cercles artistiques. En 1881, il est même décoré de la Légion d’Honneur. Toutefois, atteint d’une syphilis qui progresse rapidement, il souffre de plus en plus et doit limiter ses activités. En 1882, il réalise « Un bar aux Folies Bergères », l’un de ses derniers grands tableaux. Représentant une serveuse entourée de bouteilles, de miroirs et de reflets, cette œuvre est souvent interprétée comme une réflexion sur l’isolement dans la foule, thème récurrent chez Manet. Ce tableau, d’une grande complexité visuelle et psychologique, parvient à intégrer à la fois la modernité de Paris et des éléments plus introspectifs, créant une œuvre emblématique de la société de l’époque.

Un bar aux Folies Bergères

Dans les années qui suivent, la santé de Manet ne cesse de se détériorer. Il est contraint de subir une amputation de la jambe et meurt peu après, le 30 avril 1883, à l’âge de 51 ans.

Il laisse plus de 400 toiles, des pastels, des esquisses et des aquarelles.

L’œuvre de Manet a exercé une influence considérable sur les générations suivantes d’artistes : en brisant les conventions académiques tout en maintenant le lien avec la tradition picturale, il a ouvert la voie à une nouvelle approche de la peinture et préparé le terrain pour les mouvements avant-gardistes du 20^ème siècle.

Ainsi, sa manière de traiter la lumière, la couleur et les sujets modernes a été un modèle de modernité et de liberté créative pour beaucoup d’artistes.

Berthe Morisot au bouquet de violettes

(Berthe Morisot est une peintre impressionniste qui deviendra sa belle-sœur)

Besoin de vous

Camélicot — Thu, 27 Nov 2025 17:55:50 +0000

En mars dernier, nous avons, comme depuis 3 ans, déposé nos demandes d’autorisation pour instruire nos enfants à domicile.

Chaque année depuis 3 ans, c’est la même chose : je passe des dizaines d’heures pour écrire chacun des projets éducatifs de mes enfants, pour tenter de faire paraître sur le papier la richesse de notre vie en famille, de l’éducation, de la socialisation et de l’instruction qui en découle. Danc ces projets éducatifs, je décris mes enfants, leurs modes de fonctionnement cognitif, leur façon de mémoriser, leurs besoins en termes d’apprentissages, de rythme ; je décris leurs appétences, ce qui les motive, ce qui les rebute, ce qu’ils aiment, ce qui les fait vibrer…

Je décris aussi comment je m’adapte au quotidien pour personnaliser l’instructrion de chaque enfant à ses besoins et spécificités, pour qu’apprendre demeure pour chacun une joie et un plaisir, mais aussi pour que l’instruction soit la plus efficace possible, et dégage donc beaucoup de temps sur nos journées pour ce que je juge primordial : passer du temps dans la nature, lire beaucoup, leur permettre de faire du sport, de consacrer du temps à leurs passions, mais aussi de s’investir à nos côtés dans nos différents engagements citoyens, écologiques et solidaires (café associatif, repas partagés, après-midis jeux de société, visites à l’EHPAD, organisation de bals trad’, de projections de cinéma documentaire…).

Chaque année, c’est un moment difficile de consacrer tout ce temps à expliquer que nous sommes de bons parents et de bons instructeurs, alors que je pourrais consacrer ce temps à tellement plus intéressant !!

D’autant que chaque année, nous avons un contrôle de l’instruction fournie à nos enfants, qui conclue à chaque fois aux progrès de nos enfants et à leur épanouissement…

Mais cette année, nous avons eu la désagréable surprise de recevoir un refus d’autorisation pour notre aîné, qui a toujours été instruit en famille avec succès. Surprise d’autant plus grande qu’il venait de réussir le brevet des collèges, validant ainsi l’acquisition du socle commun (but de l’instruction)…

La seule explication du courrier de refus, qui soulignait au passage le sérieux de notre instruction, était qu’il « paraissait raisonnable » d’inscrire notre fils au lycée en seconde.

Nous avons donc écrit un recours, rappelant l’esprit de la loi, pourtant clair, soulignant aussi les exigences de la représentation nationale lors de l’examen de la loi « séparatisme » en janvier 2025.

Lors de l’examen du projet de loi […], nous avions obtenu l’engagement du ministre de l’Education nationale Jean-Michel Blanquer que les éventuels refus ne concerneraient que des situations dans lesquelles l’enfant pourrait être séparé ou éloigné des principes républicains. Or, il semble que l’esprit de la loi, telle qu’elle a été votée, n’est pas compris de la même manière selon les académies. […] En effet, des familles ayant fait ce choix et qui respectent pleinement nos valeurs se voient opposer des refus injustifiés. Monsieur le Ministre, afin que soient respectés les droits et l’esprit de la loi telle que nous l’avons votée, de quelle manière pourriez-vous travailler avec la ministre de l’Education nationale pour que seuls les enfants sur lesquels pèse un risque de séparatisme soient ciblés et que le choix de l’instruction à domicile par les autres familles soit respecté ?

Graziella Melchior

Députée

Pourtant, ce recours a été rejeté, avec la même argumentation : notre fils entre au lycée, il faut donc en toute logique qu’il soit scolarisé. Dans notre recours, nous expliquions que notre enfant voulait mettre à profit cette nouvelle année d’IEF pour faire de nombreux stages afin de préciser son projet professionnel. Le rectorat répondait dans son rejet qu’il pourrait aussi faire un certain nombre de stages en seconde au lycée…

En septembre, nous avons donc scolarisé notre fils tout en faisant appel de la décision du rectorat, auprès du Tribunal administratif de Limoges. 4 mois plus tard, 3 jours avant l’audience, nous avons pu lire le mémoire en défense du rectorat : celui-ci était truffé d’erreurs… Une autre famille était notamment citée 3 fois, et l’enfant décrit ne correspondait pas du tout à notre fils, ni au niveau de l’âge, ni du niveau, et encore moins de la situation personnelle puisque le rectorat mentionnait diverses pathologies…

Ces erreurs ont donc été relevées devant le juge, ainsi que l’assertion mensongère du rectorat à propos des stages, car AUCUN stage n’était en fait prévu au lycée pour notre enfant ! Pourtant, malgré ces défauts, notre recours a été rejeté.

Motif : la loi prévoit que le rectorat doit se baser sur le projet éducatif de la famille pour étudier le dossier ; le rectorat ayant dit, dans son rejet, qu’il avait étudié notre dossier, c’est donc qu’il avait raison… CQFD !

Ce n’était pas comme si nous avions justement saisi le Tribunal administratif parce que nous estimions que cette étude de notre dossier était fallacieuse et illégitime !

Après 3 semaines de colère et de désespoir, nous avons finalement décidé de faire appel de cette décision injuste. Pour aller jusqu’en Cour d’Appel Administrative, il nous faut prendre un avocat. Notre assistance juridique ne prend en charge qu’une partie de ses honoraires… et c’est pourquoi nous avons besoin de vous !

Si vous avez à coeur de nous aider, même avec une toute petite somme, nous vous en serions très reconnaissants…

Lien vers notre financement participatif

« Picture Study » : Camille Pissarro

Camélicot — Wed, 24 Sep 2025 17:36:42 +0000

Jacob Abraham Camille Pissarro (1830 – 1903) est un peintre franco-danois connu comme l’un des pères de l’impressionnisme. Il a peint la vie rurale française, en particulier les paysages et des scènes de la vie quotidienne des paysans de son temps, mais aussi des vues du boulevard Montmartre et des Tuileries.

Né aux Antilles d’une mère créole et d’un père d’origine bordelaise, Camille Pissarro est envoyé à 12 ans à Paris, où le directeur de sa pension le pousse à développer son don pour le dessin. 5 ans plus tard, il retourne dans son île natale où il seconde pendant 5 ans son père dans son commerce. Puis il part pour le Venezuela avec un ami peintre et y reste 2 ans pour peindre et dessiner, avant de retourner à Paris, où il entre à l’Ecole des Beaux-Arts. Là, il rencontre Jean-Baptiste Camille Corot, découvre Eugène Delacroix, Gustave Courbet, Jean-Dominique Ingres… Il est très attiré par la simplicité des toiles de Courbet, et la poésie des toiles de Corot. Il commence, comme Courbet, à peindre sur le motif. A cette époque, ses toiles ne sont pas acceptées au Salon officiel, mais il les expose au « Salon des Refusés ».

La promenade à ânes à La Roche-Guyon

A partir de 1868, Camille Pissarro vit régulièrement à Pontoise, où il compose un grand nombre de peintures, de gravures, et de dessins. N’arrivant à vendre que peu de toiles, il doit se résoudre à peindre des enseignes de boutiques pour faire vivre sa famille. Mais c’est l’époque de ses premiers grands chefs-d’œuvre, des paysages aux dimensions majestueuses. Il consacre nombre de ses œuvres à la peinture de la vie rurale et aux scènes de la vie quotidienne, cherchant à leur donner leurs lettres de noblesse, montrant qu’elles contiennent une grande poésie.

La conversation

En 1869, il s’installe dans un village de la banlieue nord-ouest de Paris, où il passe beaucoup de temps avec ses amis Monet, Renoir et Sisley, eux aussi peintres impressionnistes. Ils se distinguent par leur style caractérisé par des coups de pinceau audacieux et brisés, et l’utilisation de couleurs chatoyantes. Il y peint souvent sa maison et son atelier, selon les saisons et les changements climatiques, révélant comment la lumière et le mouvement change notre perception des objets. Il peint ainsi 22 toiles sur les changements de lumière et de saison sur la route de Versailles.

Route de Versailles (plusieurs versions)

C’est à cette époque que le paysage froid apparaît comme un sujet majeur dans l’œuvre de Pissarro. Pendant deux hivers, il peignit au moins dix compositions à effet de neige, allant des vues de la route de Versailles peuplées de villageois à des vues plus contemplatives des maisons, des arbres et des champs. Dans certaines d’entre elles, le paysage est représenté immédiatement après un blizzard ; dans d’autres, il scintille de givre, de glace ou de neige partiellement fondue.

La gelée blanche

En 1870, il quitte son village pour fuir la guerre contre les Prussiens, et se réfugie à Londres où il découvre les scènes de la vie industrielle, qui deviendront un sujet important pour les impressionnistes. L’armée prussienne prend ses quartiers dans sa maison, et se sert de ses tableaux pour allumer des feux. Sur plus de 1500 toiles, seulement 40 seront sauvées…

En 1873, il emménage vers Pontoise, en bordure d’un paisible chemin de campagne, qui lui inspirera de nombreuses toiles. Il adopte alors une palette plus claire, plus lumineuse et une touche plus délicate. Il est progressivement entouré de jeunes artistes et devient une figure-pivot du groupe impressionniste. Il agit comme une figure paternelle non seulement pour les artistes impressionnistes, mais aussi pour plusieurs grands artistes post-impressionnistes : Georges Seurat, Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Paul Gauguin.

L’usine à Pontoise (plusieurs versions)

A partir de 1877, il s’éloigne des effets atmosphériques chers aux impressionnistes et se concentre sur la structure de ses compositions, qu’il agence soigneusement grâce à des lignes verticales et horizontales contrebalancées. La peinture épaisse et la surface densément travaillée, qu’il a construite avec de multiples petits coups de pinceau, sont également assez distinctes du travail au pinceau fluide et rapide des années précédentes. Cette version plus structurée de l’impressionnisme annonce la génération suivante des artistes post-impressionnistes, notamment Cézanne et Seurat.

La récolte des pommes de terre

Dans les années 1880, il définit de plus en plus l’observation de la nature comme une étape préliminaire : il laisse le temps s’écouler après ses observations et ses premières esquisses sur le terrain, avant de revenir à ses souvenirs. Le résultat est qu’il travaille plus loin de la vérité objective mais plus près de la vérité de ses propres sensations et impressions. Outre les scènes rustiques et quotidiennes de la campagne, il peint fréquemment des femmes absorbées par les activités quotidiennes. En effet, il ressent de plus en plus l’importance primordiale de la forme humaine dans le paysage… Il abandonne alors, comme beaucoup d’impressionnistes, les thèmes contemporains et industriels, pour revenir aux scènes de la vie paysanne.

Femme lavant une casserole

Il emploie une variété de coups de pinceau de plus en plus petits, ressemblant à des ponctuations, devenant le premier post-impressionniste, et ouvrant la voie au pointillisme. Quelques années plus tard, il revient au style impressionniste et peint plus librement, de nouveau en extérieur, et laissant ses couleurs fraîchement appliquées interagir sur la surface au lieu d’attendre que les taches de chaque couleur sèchent séparément. Les traits minuscules, fragmentés et entrecroisés, et les contrastes de couleurs lumineux, témoignent tout de même des enseignements tirés de ses années pointillistes.

La cueillette des pommes

Une petite vidéo intéressante :

En 1894-1896, il peint une douzaine de toiles représentant des nus féminins vus seuls ou en groupe. La rareté des nus dans l’œuvre de Pissarro provient en grande partie de sa difficulté à trouver des modèles dans les petites villes rurales où il a passé une grande partie de sa carrière.

Femme nue de dos dans un intérieur

Puis il se lance dans la peinture de nombreuses toiles des mêmes vues des rues de Paris et du port de Rouen, où il loue des chambres d’hôtels, étudiant à nouveau les changements de lumière et de saison…

Boulevard Montmartre (plusieurs versions)

Camille Pissarro peindra jusqu’à la fin de sa vie, à 73 ans.

Pour aller plus loin :

« Picture Study » : Jean-Auguste-Dominique Ingres

Camélicot — Thu, 10 Jul 2025 15:51:42 +0000

Dernier des peintres néo-classiques français, Jean-Auguste-Dominique Ingres est l’inventeur d’un canon de beauté féminine atypique, maniériste, qui l’a rendu célèbre. Habile dessinateur, admirateur de Raphaël et adepte de la ligne pure, Ingres fut d’une telle influence qu’on parle d’« ingrisme ».

Jean-Auguste-Dominique Ingres est né en 1780 à Montauban. Son père est un peintre et décorateur qui l’initie très jeune à la peinture et au violon. A 11 ans, il entre à l’Académie Royale de Toulouse où il reçoit des leçons de peinture et de violon. Il continuera d’ailleurs toute sa vie à jouer du violon et deviendra même deuxième violon à l’orchestre du Capitole de Toulouse. L’expression « violon d’Ingres » est issue de cette seconde vocation du peintre.

A 17 ans, il entre dans l’atelier de Jacques-Louis David, et peint, comme lui, des thèmes de l’Antiquité et de la mythologie.
Il obtient le prix de Rome avec Les Ambassadeurs d’Agamemnon. En raison de la situation politique, il ne peut se rendre immédiatement à la Villa Médicis. De 1801 à 1806, il peint à Paris de nombreux portraits qui seront jugés sévèrement par la critique.

Les Ambassadeurs d’Agamemnon

En octobre 1806, Ingres part pour Rome, où il découvre les maîtres de la Renaissance, en particulier Raphaël qu’il admire énormément. Il y restera jusqu’à 1820, et se consacre au thème qui restera son préféré : le nu féminin. Mais ses tableaux ne rencontrent pas l’adhésion de la critique parisienne. Il décide alors de rester à Rome et devra pour vivre réaliser de multiples portraits peints ou dessinés. En 1813, Ingres épouse Madeleine Chapelle (1782-1849), une jeune modiste de Guéret. Il réalisa de nombreux portraits de sa femme, le plus célèbre apparaissant dans Le Bain turc (1862). Madeleine est l’odalisque aux bras levés qui s’étire au premier plan.

Le Bain turc

Si ses tableaux ne sont pas accueillis favorablement à Paris, c’est que le public et les critiques trouvent son style trop maniériste. L’un des plus célèbres scandales du 19^ème siècle concerne sa Grande Odalisque, exposé au Salon de 1819 : Ingres est durement moqué, on lui reproche de ne pas connaître l’anatomie. Depuis la Renaissance, le nu féminin ne peut être traité qu’en s’appuyant sur la mythologie antique ou la Bible. Mais Ingres veut renouveler ces thèmes, et choisit donc l’Orient tel que le rêvent les occidentaux.

L’objectif du peintre est la représentation de la beauté féminine. Il veut reconstituer sur la toile une image intemporelle de l’attractivité du corps féminin pour l’homme occidental. Pour atteindre ce but, il doit composer une figure idéale. Ingres, grand dessinateur, attribue à son odalisque quelques vertèbres supplémentaires afin d’obtenir une élongation du dos. Le bras lui-même doit alors être très long pour conserver de justes proportions. Ce faisant, le peintre s’accorde une liberté par rapport au réel sans pour autant le trahir, puisque cette odalisque appartient à l’univers masculin fantasmé, donc à une réalité humaine.

La Grande Odalisque

De 1820 à 1824, Ingres réside à Florence. C’est à cette époque qu’il peint Le Vœu de Louis XIII, une commande du gouvernement français destinée à la cathédrale de Montauban. Il part pour Paris pour accompagner son tableau qui doit être exposé au Salon, où il reçoit un accueil enthousiaste, car il se situe dans la tradition classique la plus pure rappelant les Madones de Raphaël. A partir de cette date, Ingres sera reconnu officiellement comme un grand peintre néo-classique. Il ouvre un atelier à Paris et y forme de nombreux élèves. En 1829, il est nommé professeur à l’Ecole de Beaux-arts. De 1835 à 1841, Ingres occupe le poste de directeur de la Villa Médicis à Rome.

Le vœu de Louis XIII

Ingres disait que « le crayon doit avoir sur le papier la même délicatesse que la mouche qui erre sur une vitre ». Pour lui, le dessin fait « les ¾ et demi » de la peinture, et il détestait les coloristes. Ingres cherchera par un travail acharné à atteindre un style personnel qui ne trahisse pas la réalité : « Le style, c’est la nature », écrivait-il. Il s’éloigne donc de la beauté idéalisée et archaïsante de David et se situe dans une sorte de transition entre néo-classicisme, romantisme et réalisme.

Ses chefs-d’œuvre se trouvent davantage dans le portrait et le nu que dans la peinture d’histoire. Bien qu’il soit d’abord un dessinateur, Ingres sait remarquablement utiliser la couleur comme on peut le voir dans La princesse de Broglie.

La princesse de Broglie

Ingres fut un portraitiste prolifique et très demandé dans les années 1850. Ses œuvres constituent une remarquable galerie de portraits de la haute société du Second Empire.

L’idéal ingresque diffère de l’idéal académique promu par l’Académie des Beaux-Arts. Selon lui, la beauté est subjective et personnelle à chacun des modèles. C’est au peintre de la révéler, et non simplement d’appliquer des formules toutes faites. Il enseigne à ses étudiants cette conception à l’École des Beaux-Arts à partir de 1829.

Ingres part d’une étude réaliste de ses modèles mais tend à les idéaliser, accentuant les effets d’arabesques, la préciosité des costumes, la monumentalité des postures, la noblesse et l’intensité des regards.

Son style influencera les peintres modernes, d’Henri Matisse à Pablo Picasso, en passant par Auguste Renoir et Man Ray.

Couvert de tous les honneurs, Ingres décède à Paris en 1867. Il a légué une partie de son œuvre (en particulier des milliers de dessins) au musée de Montauban, sa ville natale.

Louise de Broglie, comtesse d’Haussonville

« Picture Study » : Jacques-Louis David

Camélicot — Thu, 03 Jul 2025 09:18:03 +0000

Figure de proue du néoclassicisme français, révolutionnaire engagé puis premier peintre de Napoléon Ier, Jacques-Louis David a un parcours exceptionnel : il fut un grand rénovateur du classicisme antique dans la peinture d’histoire. En son temps, après la mode du rococo, son art épuré et sévère a incarné l’image de la modernité !

Né à Paris dans un milieu petit-bourgeois, Jacques-Louis David n’a que 9 ans lorsqu’il perd son père. Sa mère et ses tuteurs repèrent vite ses talents pour le dessin, et pensent faire de lui un architecte. Il entre comme élève à l’Académie de Saint-Luc, puis devient élève de Joseph-Marie Vien, peintre antiquisant. Il prend des cours à l’Académie royale : composition, anatomie, perspective. David prépare le prix de Rome, mais ne reçoit que le second prix, avec « Combat de Mars contre Minerve » dans un style rococo.

Combat de Mars contre Minerve

Son physique est ingrat, car David a contracté une tumeur à la joue gauche qui rend son élocution difficile. Malgré cela, ses succès en peinture lui permettent de fréquenter la belle société. Toutefois, il rate plusieurs fois la première place au concours de Rome, et en conçoit une méfiance vis-à-vis du système académique dominant, qu’il n’hésitera pas à contester au moment de la Révolution.

Finalement lauréat du premier prix de Rome en peinture en 1774, David part à Rome où il réside durant quatre ans. Vien, son maître, vient d’être nommé directeur de la Villa Médicis. C’est l’occasion pour le jeune peintre de découvrir les grands artistes de la Renaissance italienne. Suivant les conseils de son maître, il consacre la première année au dessin. Cherchant encore un style qui lui est propre, il s’inspire ensuite beaucoup des œuvres du Caravage.

Ebauche de Hersilia

Académie dite Patrocle

La découverte des ruines d’Herculanum et de Pompéi le marque beaucoup, et l’engage à se tourner vers des thèmes inspirés de l’Antiquité. Rentré à Paris, il découvre les théories de Joachim Winckelmann, historien de l’art allemand qui prône le retour vers l’Antiquité grecque et la nudité héroïque.

Son caractère taciturne, son esprit indépendant et parfois rebelle, le retard avec lequel il livre ses toiles, l’empêchent pourtant d’obtenir de belles places pour ses tableaux lors des expositions auxquelles il participe.

Le serment des Horace

Ses toiles historiques et mythologiques ont un grand retentissement, et l’éloge du public et de la critique. Dès lors, David devient le chef de fil d’un nouveau mouvement de peinture, qu’on nommera plus tard le « néo-classicisme ». Il impose des œuvres épurées, de facture classique, sans frivolité, inspirées de l’histoire ancienne. Son style rayonne de clarté, de symétrie, de valeurs morales.

La mort de Socrate

David a tellement de succès, qu’il inspire la mode : les femmes abandonnent les perruques poudrées pour adopter les coiffures à l’ancienne, des ébénistes réalisent des meubles « à la romaine » dessinés par David…

Mais l’artiste n’est pas royaliste, bien au contraire. Engagé aux côtés des révolutionnaires, il vote la mort de Louis XVI en 1793 et rêve de l’instauration d’un système républicain. Proche de Robespierre, portraitiste mortuaire de Marat, David manque de peu de passer sur la guillotine, pour avoir pris la tête de la Commune des arts (il devient à cette époque un équivalent de ministre de la culture) et renversé l’institution académique. Après avoir pris une part très active à la Révolution française (il est président du Club des Jacobins en 1793, en pleine Terreur), le peintre est emprisonné puis amnistié.

La mort de Marat

Après la Révolution, David revient dans le système académique restauré par le régime du Directoire et expose de nouveau au Salon. Il affirme toujours son style hellénisant.

Mais il devient aussi l’un des fervents adeptes de Napoléon Bonaparte, devenant l’un des portraitistes d’un général qui le fascine. Abandonnant ses idéaux républicains, il se rallie à l’Empire.

Le sacre de Napoléon

Il contribue même à forger sa propagande par l’image.

Après la chute de l’Empire, l’artiste conserve ses convictions bonapartistes. Le régime de la Restauration le proscrit et le peintre doit s’exiler à Bruxelles, où il meurt en 1825.

Napoléon franchissant les Alpes

Pour aller plus loin : L’art et le politique